摘自影劇摩人- StevenTu
文│塗翔文
鈕承澤自導自演的這部《情非得已之生存之道》可能是去年底至今得獎最多的國片，從金馬獎影評人費比西獎、到鹿特丹影展的NETPAC最佳影片獎，連戰皆捷。有趣的是，以一個台灣觀眾的角度與觀點來看待這部片，絕對會大異於這些國際評審（金馬的影評人獎也是由國際影評人評選）。對台灣人而言，《情》片絕非只是一部「虛構的劇情片」，因為它的文本含蓋了太多「戲外」的交互指涉：包括鈕承澤、張鈞甯等角色本身的真實身份，台灣電影的製片現況（輔導金與市場），以及部份接近紀錄片形式的拍攝片段。若從這個角度出發，勢必能解讀出更多層次的豐富趣味，但也同時更能洞悉其中的侷限所在。
真實與虛構的游移
電影從一場陽台的對話開始，一群憤世嫉俗的電影人，胸懷對於台灣政治、社會現實的不滿，聊著想拍一部「假紀錄片」，描寫台灣人心中的這種不平情緒。鈕承澤其實演的是自己，然後他得到了輔導金的補助，真的有機會開拍第一部片，他決定付諸行動，把心中的計畫完成。可是問題來了……少少的輔導金不夠拍片，於是他得開始傷腦筋資金的事。電影裡大膽牽扯到的現實議題、政治人物，為他帶來實際執行上的困難；最麻煩的是，他和演員女友（張鈞甯飾演）之間並不穩定的感情關係，尤其是自己無法控制的花心蘿蔔性格。於是雪球越滾越大，謊越說越多，事情越來越難收拾........。
任何一個台灣觀眾，都可以從《情非得已之生存之道》裡找到許多「對號入座」的情境，這是本片最讓人莞爾與容易親近的美麗糖衣。鈕承澤設計了一個情境，充滿「後設」趣味。他拍自己，拍自己打算開拍第一部電影的故事，拍自己為了拍電影而掉入的重重關卡，並從中迸發出對自我生命意義的重新檢視。到了最後，這部《情非得已之生存之道》完成了在後設形式上的所有假設：它既是鈕承澤自己的故事，也真的是他的第一部電影，同時呈現了在台灣拍電影的寫實面貌，也確實像是他流著斑斑血淚的一部懺情記。
這種形式的作法其實在中外都有不少例子，以戲中戲形式表現，讓角色在電影裡「演出」的故事，最後就象徵著電影本身；甚至刻意讓觀眾發現，戲中戲的片名和這部電影的片名，其實是一致的。經典歌舞片《萬花嬉春》（Singing In The Rain）、侯孝賢的《好男好女》、台灣上映過的義大利片《愛情對手戲》等，全都有類似的形式。只不過《情非得已之生存之道》完全讓大部份的演員扮演與自己現實重疊的「角色」（名字和角色設定都幾乎是與真實相同），於是當觀眾看著鈕承澤與張鈞甯為了一夜情幾臨崩潰之際，觀眾同時看到的是「演員」張鈞甯與「演員」鈕承澤的「對手戲」；但這樣血淋淋的真實畫面，卻又彷彿好像「真的」是他們兩人之間的愛慾糾葛。
這種在真真假假間游移的曖昧騷動，是我認為《情非得已之生存之道》最有魅力的部份。鈕承澤透過鏡頭，自道自己面對創作的困境，尤其是在市場畸零、不被看好的台灣電影圈。輔導金帶來希望，同時另一面也彷彿帶來一場更大的賭局；找黑道大哥投資像是全世界電影圈都有的慣性，同時也帶來更多出賣靈魂（甚至身體）的殘酷與不堪；忠於所愛似乎是美麗又令人憧憬的浪漫，但心猿意馬的難以自制、創作靈魂的自由想望，卻也同樣讓人措手不及……
電影的前半段，大量藉由嬉笑怒罵的「虛構」情節，讓這些圍繞在一個電影創作者身邊的諸多兩難與困境，全都以一種極度荒謬、又極度寫實的詭異情境中並存。看著屈中恆對鈕承澤說：「鈕承澤拍的每一部戲，男主角都是鈕承澤！」以及鈕承澤與邱毅之間那場幾乎九成逼近真實的「戲」，我想大部份認識他們的台灣觀眾，都很難不清楚洞察它的諷刺性與幽默感。
我看著鈕承澤在電影裡的喜怒起伏，一下又看他和張鈞甯、柯奐如「演」出來的關係，來去之間，不時閃出近乎真實的靈光乍現。像是兩場鈕媽媽的戲，或是鈕承澤自己與辦公室裡同事們的某些互動與對話，以及邱毅慷慨激昂的自我陳述與吐露心聲，在在都在「設計」的情境中，擦出比例甚高的真實火花。
自我懺悔或是自溺？
不過我也得坦承，前半段的形式與企圖，對我來說的吸引力遠大於電影後半部的驟然轉向。我一直期待「創作」與「現實」的拉扯，最後，會變成什麼樣柳暗花明或極端顛覆的結果？
最後，鈕承澤最後選擇了「自己」。電影突然之間就轉調成為他個人自我抒發的情感難題，包括他與女友（們）的，面對與母親的、與信仰的、與生命態度上的自我檢視，結尾甚至變成眾人對他、對快樂、對生命的看法，然後他彷彿又一定得回到難以對抗的環境現實，繼續面對。其實這樣的轉向與自我探索，是很誠實的，也很符合電影本身形式，那種帶有仿效半紀錄片性質的走向，看似「不知不覺」讓電影走向這樣的結果，也忠實反應導演的心境。
但這同時是我覺得非常可惜的地方。電影進行到這裡，《情非得已之生存之道》從我所期待可能是「以小窺大」的台灣電影現實解剖刀，乍然又轉向回眸，只把這把「刀」剖向鈕承澤自己，一個台灣演員、新的電影導演所自我追逐、自我懺悔的全紀錄。對我來說，這和電影一開始所挑釁、架高的層次格局，其實是有很大落差。所以我猜，這部電影的觀眾反應會很兩極的，應該有很多人樂見鈕承澤赤裸裸的自我曝露（我是指心理上的）、自我嘲弄，並從中得到很大的快感與樂趣；但也會有一些觀眾覺得這樣的結論、這樣的意圖，似乎有點太過自溺，太過雷聲大、雨點小，太過虛晃一招。
或許是限於預算的緣故，同時也是配合形式與情節本身的發展，《情非得已之生存之道》讓影像變得好像是信手拈來、不加修飾的忠實呈現；但極大量的手提攝影、臉部特寫，在過於簡單的場景設計下，放大至大銀幕上的結果，還是容易曝露出質感上的落差，以及場面調度上過於單調貧乏的侷限。無論是成本限制，抑或是內容影響形式使然，就這部處女作而言，鈕承澤在拋出理念議題的成效顯著，卻也似乎遠遠大於對影像應有的敏銳掌控。
在2008年的這個當頭，國片看似漸有起色，但其實大環境依然是苦哈哈的，《情非得已之生存之道》在此時出現，其實別具意義。對大環境來說，它在鏡頭下開了台灣電影一個大玩笑，也逼視產官學界與觀眾，全都得思考整個台灣電影體制這個超大問題；而挑起「假紀錄片」的議題，在虛實之間游走嘲弄的瀟灑姿態，亦是台灣電影少見的類型。看完電影後，我對鈕承澤同時有著泰半的擔心與期待：擔心他首次拍片就選擇狠狠地往自己身上啃蝕，那接下來還能「玩」出什麼更驚人的把戲？但從另一方面看，或許在演藝圈打滾多年的他，藉由這部處女作的大鳴大放、自我省思，反而能為自己開出另一條不同以往的新路線，重新面對電影鏡頭，開始將它從自己身上移開。
文│塗翔文
鈕承澤自導自演的這部《情非得已之生存之道》可能是去年底至今得獎最多的國片，從金馬獎影評人費比西獎、到鹿特丹影展的NETPAC最佳影片獎，連戰皆捷。有趣的是，以一個台灣觀眾的角度與觀點來看待這部片，絕對會大異於這些國際評審（金馬的影評人獎也是由國際影評人評選）。對台灣人而言，《情》片絕非只是一部「虛構的劇情片」，因為它的文本含蓋了太多「戲外」的交互指涉：包括鈕承澤、張鈞甯等角色本身的真實身份，台灣電影的製片現況（輔導金與市場），以及部份接近紀錄片形式的拍攝片段。若從這個角度出發，勢必能解讀出更多層次的豐富趣味，但也同時更能洞悉其中的侷限所在。
真實與虛構的游移
電影從一場陽台的對話開始，一群憤世嫉俗的電影人，胸懷對於台灣政治、社會現實的不滿，聊著想拍一部「假紀錄片」，描寫台灣人心中的這種不平情緒。鈕承澤其實演的是自己，然後他得到了輔導金的補助，真的有機會開拍第一部片，他決定付諸行動，把心中的計畫完成。可是問題來了……少少的輔導金不夠拍片，於是他得開始傷腦筋資金的事。電影裡大膽牽扯到的現實議題、政治人物，為他帶來實際執行上的困難；最麻煩的是，他和演員女友（張鈞甯飾演）之間並不穩定的感情關係，尤其是自己無法控制的花心蘿蔔性格。於是雪球越滾越大，謊越說越多，事情越來越難收拾........。
任何一個台灣觀眾，都可以從《情非得已之生存之道》裡找到許多「對號入座」的情境，這是本片最讓人莞爾與容易親近的美麗糖衣。鈕承澤設計了一個情境，充滿「後設」趣味。他拍自己，拍自己打算開拍第一部電影的故事，拍自己為了拍電影而掉入的重重關卡，並從中迸發出對自我生命意義的重新檢視。到了最後，這部《情非得已之生存之道》完成了在後設形式上的所有假設：它既是鈕承澤自己的故事，也真的是他的第一部電影，同時呈現了在台灣拍電影的寫實面貌，也確實像是他流著斑斑血淚的一部懺情記。
這種形式的作法其實在中外都有不少例子，以戲中戲形式表現，讓角色在電影裡「演出」的故事，最後就象徵著電影本身；甚至刻意讓觀眾發現，戲中戲的片名和這部電影的片名，其實是一致的。經典歌舞片《萬花嬉春》（Singing In The Rain）、侯孝賢的《好男好女》、台灣上映過的義大利片《愛情對手戲》等，全都有類似的形式。只不過《情非得已之生存之道》完全讓大部份的演員扮演與自己現實重疊的「角色」（名字和角色設定都幾乎是與真實相同），於是當觀眾看著鈕承澤與張鈞甯為了一夜情幾臨崩潰之際，觀眾同時看到的是「演員」張鈞甯與「演員」鈕承澤的「對手戲」；但這樣血淋淋的真實畫面，卻又彷彿好像「真的」是他們兩人之間的愛慾糾葛。
這種在真真假假間游移的曖昧騷動，是我認為《情非得已之生存之道》最有魅力的部份。鈕承澤透過鏡頭，自道自己面對創作的困境，尤其是在市場畸零、不被看好的台灣電影圈。輔導金帶來希望，同時另一面也彷彿帶來一場更大的賭局；找黑道大哥投資像是全世界電影圈都有的慣性，同時也帶來更多出賣靈魂（甚至身體）的殘酷與不堪；忠於所愛似乎是美麗又令人憧憬的浪漫，但心猿意馬的難以自制、創作靈魂的自由想望，卻也同樣讓人措手不及……
電影的前半段，大量藉由嬉笑怒罵的「虛構」情節，讓這些圍繞在一個電影創作者身邊的諸多兩難與困境，全都以一種極度荒謬、又極度寫實的詭異情境中並存。看著屈中恆對鈕承澤說：「鈕承澤拍的每一部戲，男主角都是鈕承澤！」以及鈕承澤與邱毅之間那場幾乎九成逼近真實的「戲」，我想大部份認識他們的台灣觀眾，都很難不清楚洞察它的諷刺性與幽默感。
我看著鈕承澤在電影裡的喜怒起伏，一下又看他和張鈞甯、柯奐如「演」出來的關係，來去之間，不時閃出近乎真實的靈光乍現。像是兩場鈕媽媽的戲，或是鈕承澤自己與辦公室裡同事們的某些互動與對話，以及邱毅慷慨激昂的自我陳述與吐露心聲，在在都在「設計」的情境中，擦出比例甚高的真實火花。
自我懺悔或是自溺？
不過我也得坦承，前半段的形式與企圖，對我來說的吸引力遠大於電影後半部的驟然轉向。我一直期待「創作」與「現實」的拉扯，最後，會變成什麼樣柳暗花明或極端顛覆的結果？
最後，鈕承澤最後選擇了「自己」。電影突然之間就轉調成為他個人自我抒發的情感難題，包括他與女友（們）的，面對與母親的、與信仰的、與生命態度上的自我檢視，結尾甚至變成眾人對他、對快樂、對生命的看法，然後他彷彿又一定得回到難以對抗的環境現實，繼續面對。其實這樣的轉向與自我探索，是很誠實的，也很符合電影本身形式，那種帶有仿效半紀錄片性質的走向，看似「不知不覺」讓電影走向這樣的結果，也忠實反應導演的心境。
但這同時是我覺得非常可惜的地方。電影進行到這裡，《情非得已之生存之道》從我所期待可能是「以小窺大」的台灣電影現實解剖刀，乍然又轉向回眸，只把這把「刀」剖向鈕承澤自己，一個台灣演員、新的電影導演所自我追逐、自我懺悔的全紀錄。對我來說，這和電影一開始所挑釁、架高的層次格局，其實是有很大落差。所以我猜，這部電影的觀眾反應會很兩極的，應該有很多人樂見鈕承澤赤裸裸的自我曝露（我是指心理上的）、自我嘲弄，並從中得到很大的快感與樂趣；但也會有一些觀眾覺得這樣的結論、這樣的意圖，似乎有點太過自溺，太過雷聲大、雨點小，太過虛晃一招。
或許是限於預算的緣故，同時也是配合形式與情節本身的發展，《情非得已之生存之道》讓影像變得好像是信手拈來、不加修飾的忠實呈現；但極大量的手提攝影、臉部特寫，在過於簡單的場景設計下，放大至大銀幕上的結果，還是容易曝露出質感上的落差，以及場面調度上過於單調貧乏的侷限。無論是成本限制，抑或是內容影響形式使然，就這部處女作而言，鈕承澤在拋出理念議題的成效顯著，卻也似乎遠遠大於對影像應有的敏銳掌控。
在2008年的這個當頭，國片看似漸有起色，但其實大環境依然是苦哈哈的，《情非得已之生存之道》在此時出現，其實別具意義。對大環境來說，它在鏡頭下開了台灣電影一個大玩笑，也逼視產官學界與觀眾，全都得思考整個台灣電影體制這個超大問題；而挑起「假紀錄片」的議題，在虛實之間游走嘲弄的瀟灑姿態，亦是台灣電影少見的類型。看完電影後，我對鈕承澤同時有著泰半的擔心與期待：擔心他首次拍片就選擇狠狠地往自己身上啃蝕，那接下來還能「玩」出什麼更驚人的把戲？但從另一方面看，或許在演藝圈打滾多年的他，藉由這部處女作的大鳴大放、自我省思，反而能為自己開出另一條不同以往的新路線，重新面對電影鏡頭，開始將它從自己身上移開。
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